作曲のための音楽理論入門｜曲を書くために必要な範囲だけを、順番に

音楽理論と聞くと、分厚い本と難しい記号を思い浮かべる方が多いと思います。実際、体系として学ぼうとすると膨大です。

しかし、「曲を1つ書く」ために必要な範囲は、驚くほど狭いというのが実際のところです。この記事では、その狭い範囲を、実際に使う順番で並べます。

📌 この記事の3行まとめ
① 最初に必要なのは キー と ダイアトニックコード の2つだけ
② 音名（C・D・E…）ではなく度数（Ⅰ・Ⅱ・Ⅲ…）で覚えると、どのキーでも使い回せる
③ 譜面が読めなくても作曲はできる。読譜と作曲は別の技能

ステップ0：譜面は、あとでいい

先に誤解を1つ解いておきます。譜面を読む力と、曲を作る力は別物です。

譜面は「他人と正確に共有するための記法」です。作曲そのものに必須ではありません。実際、現代の制作ではピアノロール（横が時間、縦が音の高さのグリッド）で作業することが多く、そこでは音の高さと長さが見た目そのままで表示されます。

同じく、絶対音感も不要です。必要なのは、2つの音を比べて高いか低いか分かる程度の感覚だけです。これは訓練で伸びます（音程が合わない原因と直し方でも触れています）。

ステップ1：キーを決める＝使う音を12個から7個に絞る

音楽で使える音は1オクターブに12個あります。ピアノの白鍵7つと黒鍵5つです。

ここでキー（調）を1つ決めると、主に使う音が7つに絞られます。これがスケール（音階）です。

たとえばCメジャーキーなら、使う音は ド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ の7つ（ピアノの白鍵だけ）。残りの5つは、使わないわけではありませんが、基本の外側です。

これが音楽理論の最初にして最大の恩恵です。 選択肢が12から7に減り、しかも「その7つの中なら、だいたい何を選んでも合う」という保証がつきます。

メジャースケールの音の並び方には規則があります。半音の間隔で書くと、

全・全・半・全・全・全・半

どの音から始めても、この間隔で並べればメジャースケールになります。だから12個のキーがあるわけです。

マイナースケール（暗い響き）は、

全・半・全・全・半・全・全

という並びです。実は、メジャースケールの6番目の音から始めると、そのままマイナースケールになります。CメジャーとAマイナーが同じ音の集まりなのは、このためです。

ステップ2：度数で考える

ここが最重要です。音を名前ではなく、番号で覚えます。

Cメジャーキーなら、ドが1番目（Ⅰ）、レが2番目（Ⅱ）、ミが3番目（Ⅲ）……という具合です。

なぜこれが重要か。キーが変わっても、番号は変わらないからです。

「Ⅰ→Ⅳ→Ⅴ→Ⅰ という進行は明るくまとまる」と一度覚えれば、すべてのキーで使えます。音名で覚えていたら、キーごとに覚え直しです。

歌の音域に合わせてキーを変える（移調する）ときも、度数で考えていれば表を横に読むだけで済みます。

ステップ3：ダイアトニックコード

スケールの各音の上に3つの音を積むと、そのキーで自然に響く7つのコードができます。これがダイアトニックコードです。

メジャー（明るい）とマイナー（暗い）の位置は決まっています。 Ⅰ・Ⅳ・Ⅴがメジャー、Ⅱ・Ⅲ・Ⅵがマイナー。これはどのキーでも同じです。

そして、この6つ（Ⅶを除く）だけで、ほとんどの曲は作れます。実際の進行の組み立て方はコード進行の作り方入門で詳しく扱っています。

ステップ4：リズムと拍子

音の高さと同じくらい重要なのに、軽視されがちなのがここです。

拍子は、何拍ごとに1つのまとまりとするかです。

• 4/4拍子：1小節に4拍。ポップス、ロック、ゲーム音楽の大半
• 3/4拍子：ワルツ。優雅、または不安定
• 6/8拍子：ゆったり揺れる。バラード、民族的
• 変拍子（5/4、7/8など）：緊張感、特殊な場面

迷ったら4/4です。 曲の9割はこれで書けます。

テンポ（BPM）は1分間の拍数です。目安を挙げると、

ステップ5：メロディとコードの関係

「コードは決まったが、メロディが浮かばない」——ここでよく止まります。関係を知っておくと楽になります。

原則：そのコードに含まれる音（コードトーン）を使うと、必ず合います。

Cというコードが鳴っているとき、ド・ミ・ソを使えば絶対に外れません。逆に言えば、メロディに詰まったら、いまのコードの構成音を並べるだけで形になります。

それだけだと単調なので、次の段階に進みます。

• コードトーンを骨格に置き、その間をスケールの音でつなぐ——これが最も基本的なメロディの作り方です
• 強拍（1拍目・3拍目）にコードトーン、弱拍に通過音——こうすると、外れた感じが出ません
• 同じリズムを繰り返し、音程だけ変える——覚えやすいメロディの定番の作り方です

💡 メロディが凡庸になるときの処方
①音の跳躍を1か所だけ入れる（ずっと隣の音に進むと平坦になります）②同じ音を続ける部分を作る（動き続けると印象が薄れます）③休符を入れる（詰め込むと歌えません）。この3つで、たいてい改善します。

ステップ6：曲の構成

最後に全体の設計です。よくある形は次のとおりです。

ポップス型イントロ → Aメロ → Bメロ → サビ → 間奏 → Aメロ → Bメロ → サビ → サビ → アウトロ

ゲームBGM型イントロ（1回だけ）→ ループ部（A → B → A' → C）→ ループ部へ戻る

ゲーム音楽は繰り返し再生される前提なので、構成の考え方が変わります。詳しくはゲームBGMのループの作り方にまとめました。

いずれの場合も、まず8〜16小節を1つ作り、それを変形して増やすのが現実的な進め方です。ゼロから全部書こうとすると、まず途中で止まります。

覚えなくていいもの（今は）

理論書には多くのことが書かれていますが、最初の1曲には不要なものも多くあります。後回しでよいのは、

• 対位法、和声法の禁則（並達5度など）
• 転回形、テンションコードの細かい理論
• モードの詳細（ただし雰囲気づくりには早めに効きます → スケールとモードで場面を作る）
• 移調楽器、譜面上の記譜規則
• 音響学、倍音の物理

これらは、必要になった時点で調べれば十分です。理論は曲を作るための道具であって、試験科目ではありません。

学んだことを、耳で確かめる

音楽理論でいちばん危険なのは、読んだだけで分かった気になることです。「Ⅳ→Ⅴ→Ⅲm→Ⅵm は切ない」と読んでも、実際に鳴らさなければ身につきません。

当社が開発している Sing With Guitar 弾き語りとコード譜 は、そこを埋めるためのアプリです。App Storeの有料・音楽カテゴリで1位を獲得しました。

• コードを調べる：ルート音とコードタイプを選ぶと押さえ方が一覧で出て、タップすると鳴ります
• 進行を並べる：この記事で覚えた度数の並びを、そのままコード譜として組み立てられます
• 伴奏が鳴る：ストロークパターンを選ぶと、アプリが実際に弾いてくれます。理論の確認が「聴く」作業になります
• リズムがずれない：発音をオーディオクロック基準で予約する設計なので、伴奏のタイミングが安定しています

ギターを持っていない移動中でも、「この進行、実際どう聞こえるんだろう」を確かめられます。

チップチューンやゲーム音楽を作りたい方は ChipWave（16bit機方式）と MegaTune（FM音源）もあわせてどうぞ。制作の入り口はチップチューン完全ガイドにまとめています。

▶ Sing With GuitarをApp Storeで見る